Mariela Garibay – UNE HISTOIRE DE REGARD INTÉRIEUR

Mariela Garibay - UNE HISTOIRE DE REGARD INTÉRIEUR

Vous dites que l’art n’est pas seulement un travail ou une passion, mais une réelle nécessité. Depuis quand est-il une nécessité pour vous ?

Depuis un très jeune âge, vers l’âge de 4 ou 5 ans, j’ai toujours dessiné, et c’était quelque chose de très naturel pour moi. Je ne me contentais pas seulement de passer d’innombrables heures à dessiner, je le considérais également comme une forme de relation avec les autres, une composante intégrale de ma personnalité. J’apprécie toujours énormément le temps que j’y consacre. C’est aussi le langage à travers lequel je peux exprimer des idées, des désirs, satisfaire le besoin de partager et de contribuer, ce qui est très important pour moi.

Vous avez beaucoup parlé de l’importance de l’éducation artistique et d’apprendre aux personnes à apprécier l’art. Qu’enseignez- vous, quels conseils donneriez-vous ?

Éduquer à la sensibilité dès l’enfance est essentiel à mes yeux, apprendre à regarder le monde avec admiration et à conserver ce regard émerveillé à l’âge adulte.

Je crois que ce regard, bien que naturel chez chacun, doit également être cultivé. Par exemple, la grandeur et la beauté de la nature nous offrent d’innombrables occasions de l’admirer, que ce soit à travers une simple fleur sauvage au milieu des rochers ou d’immenses montagnes se perdant dans le ciel. Apprendre aux enfants à s’arrêter et à contempler, à prendre le temps de s’émerveiller, nous incite naturellement à être reconnaissants pour tant de beauté. Tout cela peut nous aider, à mesure que nous grandissons, à développer une plus grande sensibilité envers les petits détails, les besoins des autres, à mieux nous situer dans le monde et à le respecter.

Il peut sembler que certains d’entre nous soient plus créatifs que d’autres, mais je crois que nous sommes tous créatifs à la naissance, et que cette créativité diminue avec le temps.

Vous dites aussi que l’art est un rappel pour ralentir, prendre du temps. Tous ceux qui rencontrent vos œuvres semblent ressentir cette sensation de calme, de réconfort en les regardant. Êtes-vous plus sereine lorsque vous créez des sculptures ou lorsque celles-ci sont terminées ?

Je pense que la sérénité que mes sculptures transmettent est quelque chose que je recherche également. C’est pourquoi je les crée de cette manière. J’aime à penser que, d’une manière ou d’une autre, je pousse les autres à s’arrêter et à contempler.

J’apprécie tout le processus, mais je ne suis pas toujours calme pendant celui- ci, car une grande partie de la création de sculptures consiste à résoudre des défis, principalement techniques, liés à la structure, au poids, au matériau, à l’espace, etc., et tout cela crée de la tension. Mais il est vrai que pendant ce processus souvent long, il y a aussi des moments qui me remplissent de paix, car ils me font sentir que je suis à la bonne place, en train de faire ce que je dois faire. Même si le travail est parfois physiquement exigeant, je parviens à trouver des moments de grande sérénité et de plénitude. Je suis aussi heureuse lorsque les sculptures sont terminées, mais je sais qu’elles ne m’appartiennent plus. Je les remets aux autres, et je me sens également sereine d’y avoir consacré autant de temps, d’énergie et le meilleur de moi-même.

Que pensez-vous de l’art contemporain et quels artistes vous inspirent le plus ?

L’art est comme un miroir. Il vit, grandit, se transforme, s’adapte en fonction de la société qu’il reflète et dans laquelle il évolue, en fonction des besoins, des revendications, des préoccupations collectives et individuelles. Je pense qu’il y a des choses très intéressantes dans l’art contemporain, qui nous poussent à réfléchir et à nous sentir interpellés, qui nous montrent où nous en sommes et dans quelle société nous vivons.

Mais depuis ma formation à l’université, j’ai toujours eu une grande admiration pour les grands maîtres sculpteurs. L’un d’entre eux que j’ai toujours admiré est Henry Moore, pour la force que dégagent ses œuvres et sa capacité à composer dans l’espace. J’aime les œuvres de Giacometti et sa manière de capturer le mouvement, le jeu d’équilibre de Calder, la sérénité et l’assurance de l’œuvre de Mitoraj.

Il y a une peintre péruvienne d’ascendance japonaise que j’ai toujours appréciée, Tilsa Tsuchiya. Avec ses personnages, à la fois lourds et légers, elle nous transporte dans une réalité intemporelle, presque onirique, mythique. Dans ses tableaux, elle parvient à combiner la force des formes avec sérénité. Parmi les sculpteurs contemporains, j’aime également Jiménez Deredia, dont l’œuvre a une profondeur qui permet des lectures plus poussées, peut- être spirituelles, mais aussi formelles. Elles accompagnent cette idée et créent ce qui, à mes yeux, est important, un message puissant qui reste beau et harmonieux d’une certaine manière, et qui nous enrichit. Dans ce sens, j’aime beaucoup l’œuvre de Jaume Plensa. J’apprécie l’art qui nous aide à élever nos esprits, et je pense que ces artistes y parviennent avec leurs œuvres. Ceux-ci, entre autres.

Il semble que les rêves aient une grande importance dans vos œuvres. Pourquoi ?

Je ne sais pas si ce sont exactement mes rêves, mais je crois que nous devons avoir les pieds sur terre tout en ayant les yeux tournés vers le ciel. La vie quotidienne ne doit pas nous priver de la force de notre esprit. Je pense qu’il est important d’avoir des idéaux, de rêver, d’avoir de l’espoir, car cela nous donne de la force, une raison de lutter pour la vie, de ne pas nous décourager. Je suis persuadée qu’il est nécessaire de rechercher et de trouver ces idéaux qui nous aident à continuer.

Souvent, nous trouvons ces aspirations en nous interrogeant nous-mêmes. C’est pourquoi beaucoup de mes sculptures semblent être en état de repos, mais pour moi, elles reflètent un regard intérieur, une sorte de moment d’introspection pour trouver cette force qui nous permettra de continuer.

La région Normandie a toujours été une source d’inspiration pour les artistes depuis le mouvement impressionniste. Qu’est-ce qui vous motive à exposer à Honfleur ?

Présenter mes œuvres à Honfleur, une ville tellement liée à l’histoire de l’art, rend cette exposition encore plus particulière pour moi. C’est également parce que je collabore avec la galerie depuis quelques années. Avoir l’opportunité de découvrir Honfleur en personne et de continuer à travailler avec Villa Domus est un grand cadeau. Je suis très reconnaissante et heureuse de tout cela.

C’est probablement la question la plus difficile à laquelle vous devrez répondre, mais avez- vous, parmi toutes vos œuvres, une préférée ?

En général, ma préférée est toujours celle que j’ai entre les mains, celle qui partage mon présent.

Cependant, il y a certaines œuvres dont j’ai de beaux souvenirs, comme celles que j’ai créées pendant ma grossesse ou celles réalisées pendant le confinement. J’ai une histoire avec chacune d’elles, et je garde de bons souvenirs avec toutes. Il est vrai qu’il y a des sculptures auxquelles je reviens encore et encore, peut-être parce que je souhaite les voir dans un matériau ou une taille différente. Il y a aussi des sculptures que je veux revisiter parce que je pense avoir découvert quelque chose de nouveau qui peut les enrichir. Il m’arrive également de revenir à certains thèmes, certaines idées, car je sens que je n’ai pas pu les exprimer entièrement, que j’ai besoin de continuer à en parler, ou qu’ils n’ont pas été suffisamment entendus.

Chaque œuvre pour moi est une tentative. Il s’agit de chercher une réponse pour la donner aux autres. En général, je sens que je n’y suis pas complètement parvenue, c’est pourquoi j’ai besoin de commencer la suivante, puis la suivante, et ainsi de suite. Je me perds dans cette quête pour essayer de donner quelque chose, d’unir l’idée et la forme avec force et simplicité, de mettre le meilleur de moi-même, de m’efforcer de donner ce que je ressens comme un cadeau, un don, de le partager avec les autres, puis de le laisser partir. J’ai lu quelque part il y a des années que les artistes sont de simples messagers, souvent ils ne savent pas exactement quel est le message qu’ils portent, jusqu’à ce que quelqu’un le reçoive et révèle le véritable message à ce moment-là, c’est alors que l’œuvre est enfin achevée, qu’elle est complète.

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